如何描述中国国画？
这个题目太大了，我试试以一个普通的视角来阐述这个问题——中国绘画的“中国”之所在。 首先明确一点，中国传统绘画是和西方现代主义绘画完全不同的艺术体系，这也是毫无疑义的。但这里所谓“不同”不是指技术层面上的，而是说二者所依据的美学和哲学基础是完全对立的。
中国传统绘画的精神源自于儒道两家，宋元以后尤其如此（道家影响自不必说），儒家学说对中国画的影响主要反映在两个方面：一是关于“人格”的培养，二是关于“秩序”的规划。 所以，在中国画家那里，无论是山水还是人物，画面中的物象绝不是独立的存在，而是和人密切联系在一起的——“人”在这里面具有两重性，它是观者的同时又是作画者本身；而“境”更不是客观的自然界，它实际上是人心灵的世界和精神领域的延伸。所以，“写心”、“写意”成为中国绘画最重要的词句。
明董其昌论画云： “读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营……故画宜散不宜紧，宜自然不宜刻意。”“笔墨”由此而入，成为表现心灵世界的工具和载体。 清恽寿平论画云： “画家以山川大地为师，必得平生驰骋，胸中盘郁，而后下笔自然俊逸。” (《南田画跋》)
中国画家很早就认识到，自然界的变化是瞬息万变的，只有“神”才是永恒不变的。他们向往“天人合一”的境界，试图通过绘画达到和宇宙交融的目的——这实际上也符合太极阴阳变化的规律。所以，中国绘画讲究“留白”——白者，虚无之象，空白之处乃是画家的用心之处，有如道家所言“冲虚”，此处也是意境生成的地方。