中国画为什么逐渐只有黑白？
先放结论，我的猜想是：传统中国绘画（文人画）的“衰颓”并非是因为其表现语言——水墨、宣纸的局限，而恰恰是由于它超越了这种局限，获得了更大的自由。
传统的中国书画中，文人画是一个非常重要的部分，文人们占据了“书画”的表现主流，但文人群体的审美水平却普遍不高。明代董其昌就说：“余尝论书，以神品为上上乘……若云逸品则古人未之有也，今皆作鬼魅，非情性昏愚，即是刁钻刻薄。”(《画禅室随笔》) 这段话有些语病，但大体意思是承认逸品书法的存在，但又认为这种书法作品不能代表最高水平；最高水平的作品应该追求“神”，即创作时的状态是“不知笔墨在纸面上如何起伏，只以意运笔，或倚或侧，或以笔尖着地，或以指爪攫纸……”这样创作出来的作品才是上品。
(见同书《笔法问答》) 同样的话，宋代的米芾也曾经说过：“古人书写，必胸中有成竹。然后下笔不迷。纵未能至此，须要心中有数。所谓‘意在笔前’，此言最当。若无心而行，何异胡乱挥毫！”“若得之心，以手出之，谓之为法可矣。不然，涂擦换笔，岂复有成？”(《书法真迹·多宝塔碑》批语) 这里谈的都是书法的创作原理，但是书画的原理是相通的。从这两段话可以得出以下几个结果：
1、文人画的兴起与文人群体的审美话语权确立密切相关。因为以前虽然文人地位高，但他们的文化素养很难达到很高的层次，对于艺术的理解力就比较有限，这种情况下他们的话语权其实并没有真正树立起来。
2、文人画的兴起有一个过程，最初文人的审美水平和技艺都不太高，所以早期文人画还是受民间艺术影响较深；
3、随着文人群体自我意识的增强和审美水平的提升，出现了不少擅长丹青却又并不以书画为业的文人，比如张旭、苏轼、赵孟頫等，这些人的出现使文人画开始真正崛起；
4、为了区别于民间艺术，文人画家必须寻找一种完全属于自己的独特表现形式，这种形式最终定位在了水墨山水上，于是墨分五彩，色不碍墨，干湿浓淡，随心所意，彻底自由的笔墨构成了以后中国书画的主要表现形式——“写意”。