中国画为什么讲究境界？
“意境”，是中国美学中的一个重要概念。南朝谢赫的《古画品录》中提出，“画意”包括“气韵生动”“骨法用笔”“皴擦渲染”“应物象形”“随类赋彩”“经营位置”“笔墨章法”“传移模写”八个方面；其中第一个就是“气韵生动”。
北宋郭熙在《林泉高致集》中进一步谈到，山水画要“妙在似与不似之间”、“真山水之云气，四时不同。春融怡，夏蓊郁（wěng-yù），秋疏薄，冬黯淡。笔尖上要有雾霭云烟，方叫做得气象。”清恽寿平论画法更是有“意境”之说：“古人笔墨本无常式，凡笔墨之迹，所谓意到之笔，意在笔先，笔尽人意。” 这些论述，可以说都是对“意境”的画意解读。
当然，中国绘画中的“意境”，不仅仅是单纯就景物的描绘而论的，更多的是指景物与作者情感之间的有机融合。清代唐岱在《绘事发微》中讲到绘制山水图的要领说，“山之为画，全凭烟云为血脉，草木为皮毛，山川为骨架……云雾亦须变幻多姿，山之灵者，全在烟云耳。”
无烟云的山水，虽然也可以成画，但毕竟失却了灵性。明代李日华谈画的写意，也强调“画之中，惟云水空阔处最宜着墨。” 可见中国画家心目中理想的山水画，是需要有烟云滋润的。而这种需要借助外物来增加诗意空间，满足审美需要的作画思路和手法，在中国传统文艺中是相当典型的。
唐诗宋词如此，书画也是如此。明代张岱谈写字讲，“字外之功夫，不在笔墨纸上。字内之功，不在字形笔画。能知此理，然后可以悟入。”也就是说，好的书法作品，应该力求达到“不笔不墨，笔墨俱忘”的境界。 同样，在绘画中追求“不纸不绢，绢纸俱忘”，也是艺术家们孜孜以求的目标。